Charles Eames (Gonzalo Oaxaca)

“¿Que es diseño? Un plan por colocar elementos de la mejor manera para logra un propósito en particular.”

Charles Eames (17 de junio de 1907 - 21 de agosto de 1978) fue un arquitecto, diseñador y director de cine norteamericano. Junto a su esposa Ray, es responsable de numerosos diseños convertidos ya en clásicos del siglo XX. Nació en Saint Louis, Missouri y estudió arquitectura en la Universidad Washington en San Luis. A los dos años de iniciar sus estudios los abandonó y empezó a trabajar para un estudio de arquitectura de su ciudad natal. Trabajo básicamente en proyectos de viviendas residenciales.

Estuvo fuertemente influenciado por el arquitecto finés Eliel Saarinen. Siguiendo una invitación de Saarinen, se trasladó con su primera esposa, Catherine Woermann y su hija Lucía, en 1938 hasta Cranbrook, en Míchigan para continuar estudiando arquitectura y diseño en la Academia de Arte de Cranbook. Se convirtió en maestro y dirigió el departamento de diseño industrial. Junto a Eero Saarinen, el hijo de su maestro Eliel, diseño el trofeo para el premio de "Diseño Orgánico", otorgado por el Museo de Arte Moderno de Nueva York. El trabajo mostraba su nueva técnica en el modelaje de la madera; técnica que posteriormente desarrolló Eames en sillas y otros muebles que diseñó para la marina americana durante la Segunda Guerra Mundial.

En 1941 tras divorciarse de su esposa Catherine se casó con su colega en Cranbook, Ray Kaiser. Se trasladaron a vivir a Los Ángeles donde residirían durante el resto de su vida. A finales de los años 40, Ray y Charles diseñaron y construyeron su casa, conocida como la "casa Eames". Ubicada en lo alto de una colina y mirando hacia el Océano Pacífico, la casa se construyó con trozos prefabricados de acero. Hoy en día se sigue considerando esta casa como una obra maestra de la arquitectura moderna.

En los años 50, el matrimonio siguió trabajando en arquitectura y diseño de muebles. En muchas ocasiones se mostraron pioneros en la utilización de nuevas técnicas, como la fibra de vidrio o la resina plástica en la fabricación de sillas. Además, Charles empezó a mostrar interés por la fotografía y la producción de cortometrajes.

También se encargaron de realizar numerosas exposiciones. La primera de ellas "Matemáticas, un mundo de número y más allá" (1961) aún sigue siendo considerada como un modelo de exposición científica de carácter popular.

http://es.wikipedia.org/wiki/Charles_Eames

http://www.soloarquitectura.com/arquitectos/charles_eames.html

http://blog.deidigital.com/entrevista-a-charles-eames-%C2%BFque-es-diseno/

Eero Saarinen (Eduardo López)

“Arquitecto y diseñador estadounidense, de origen finlandés. Fue hijo de Eliel Saarinen y uno de los arquitectos más destacados de mediados del siglo XX, gracias a su ecléctica obra. Comenzó su labor a partir de las estructuras rectilíneas en acero y cristal del International Style, para evolucionar hacia las formas más libres de construcción en hormigón que habían iniciado Pier Luigi Nervi, Le Corbusier y otros arquitectos de principios del siglo XX. Sus edificios universitarios, oficinas centrales, terminales de aeropuertos y embajadas sólo tienen en común su arriesgado diseño y gran tamaño. Nació el 20 de agosto de 1910, en Kikkonummi, Finlandia.

En 1923 su familia emigró a Estados Unidos, donde Saarinen se graduó en la Escuela de Arquitectura de Yale en 1934, para entrar a formar parte del estudio de su padre. Con Charles Eames diseñó muebles a partir de 1940. Eran productos muy elegantes fabricados en plástico y madera laminada, que fueron muy imitados. Sus trabajos más importantes los realizó a partir de la II Guerra Mundial. Su mayor encargo fue el centro de General Motors (1948-1957) en Warren, Michigan.

    Es un recinto con 5 pabellones en los que las masas rectangulares contrastan con cilindros y cúpulas. El complejo refleja la influencia de Ludwig Mies van der Rohe y Albert Kahn. Saarinen incluyó ladrillos teñidos en varios colores y escaleras de fantasía. Al mismo tiempo, pero de forma completamente diferente, proyectó el Jefferson National Expansion Memorial (Gateway Arch, 1964) en San Luis. Es un arco en acero inoxidable de 192 m de altura en el punto más alto de la catenaria: un monumento que recibió numerosos premios.

    El mejor Saarinen fue el que diseñó espacios ilimitados; en la década de 1950 produjo varias estructuras cubiertas con cúpulas muy espectaculares, como el auditorio Kresge, en el Instituto de Tecnología de Massachusetts (1955) y el Ingalls Hockey Rink (1959, Yale) y alcanzó la máxima brillantez en la terminal de la compañía aérea TWA, en el aeropuerto internacional Kennedy, de Nueva York, acabado en 1962.

  

 En sus planos para el Aeropuerto Internacional de Dulles, acabado en 1963, introducía el nuevo concepto de sala de embarque, que cubría con un tejado de losas de hormigón suspendidas por cables. Prefería construir edificios institucionales, su único rascacielos, el de la CBS, acabado en 1965, fue el primero en Nueva York realizado en hormigón armado. Murió en Ann Arbor, Michigan, el 1 de septiembre de 1961, a título póstumo recibió la Medalla de Oro del Instituto Americano de Arquitectos, que recogió su viuda, Aline B. Saarinen, crítica de arte.”

http://www.epdlp.com/arquitecto.php?id=144/Eero Saarinen

Jasper Morrison (Susana Padilla)

“Jasper Morrison nace en 1959 en Londres (Inglaterra). Estudia en la Real Escuela de Arte de Londres y, después, se traslada a la Escuela Superior de Arte de Berlín gracias a una beca. En 1986 abre su propio estudio de diseño en Londres.

Suscita atención por la claridad de conceptos de las instalaciones “Reuters News Center” en la Documenta 8 de Kassel y “Some new items for the home” en la Galería DAAD de Berlín, que se caracterizan por objetos marcadamente simplificados en lo formal como respuesta al desbordamiento de formas del posmodernismo.

Jasper Morrison se convierte en el precursor de la “Nueva simplicidad”, una tendencia que preconiza una interpretación humilde y, al mismo tiempo, más seria del diseño. Además de muebles, diseña lámparas, accesorios domésticos, tejidos, un tranvía para la ciudad de Hannover y la estación de autobuses del Campus de Vitra en Weil am Rhein.

Junto con el diseñador japonés Naoto Fukasawa vuelve a llamar la atención en 2006 con la exposición “Super Normal” y las tesis presentadas en ella. Con Ronan y Erwan Bouroullec y Hella Jongerius, Jasper Morrison es uno de los principales artífices de la Vitra Home, una colección en constante crecimiento.” http://www.vitra.com/es-lp/public-spaces/designers/jasper-morrison/(16 de mayo del 2011)

“ROD ARAD” (Tere Zaga)

                                       

Ron Arad nació en Tel- Aviv en el año de 1951.

Es un diseñador, artista y arquitecto industrial.

Fue a la academia de arte de Jerusalén entre 1971-73 y a la asociación arquitectónica en Londres, de 1974 a 1979.

Ha producido los muebles y el diseño de iluminación para muchas compañías (principalmente italianas) incluyendo Alessi, Vitra, Flos, Artemide y Kartell.

Sus trabajos de diseño industrial más notables incluyen la silla apilable de Tom VAC para Vitra, y la biblioteca gusano para Kartell. Muchos de estos trabajos están en las colecciones del Museo de Arte Metropolitano de Nueva York, del centro Georges Pompidou en París, del Victoria and Albert Museum de Londres y del Vitra Design Museum, Alemania.

Sus trabajos arquitectónicos, menos conocidos, incluyen las jefaturas para la tecnología Pasillo de Maserati y de Selfridges en Londres.

 Es actualmente jefe del departamento de productos de diseño en la Universidad Real del Arte.

Una cosa es segura, Ron Arad es hoy universalmente conocido como el maestro del diseño inglés.

en su búsqueda abandona la arquitectura para orientarse hacia el diseño y en 1981 funda, junto a Caroline Thorman, el estudio One Off.

En el corazón de Covent Garden, dentro del estudio taller, Ron Arad proyecta y produce en serie limitada sus primeros obras de acero, entre los que se encuentra el sillón Big Easy, que se convierte en el manifiesto de su poética. Big Easy oscila entre dos polos: la encarnación de un mueble útil y el valor de una cita humorística. Sus desmedidos brazos, que casi lo convierten en una caricatura, así como el material con el que está realizado - el acero - contrasta con las calidades generalmente atribuidas a un sillón que tiene que ser cómodo y relajante. El efecto que se desprende de ello es el de un objeto ornamental sobredimensionado y divertido.

En 1989 funda la Ron Arad Associates, que, incluso manteniendo el espíritu "arts and crafts" del estudio One Off, se abre siempre aún más al planeamiento de objetos de amplia producción para empresas como Moroso, Kartell, Vitra, Alessi, Artemisa y Guzzini.  La continua colaboración con estas empresas, en su mayor parte italianas, empuja a Ron Arad a abrir en 1994 el Ron Arad Studio, en Como, cuya tarea consiste en adaptar para la industria los prototipos producidos en el taller londinense.

El proceso creativo de Ron Arad parte de la experimentación de las posibilidades expresivas de los materiales, transcendiendo la mera funcionalidad, para llegar a producir objetos muy plásticos y expresivos, que, reelaborados en un segundo momento, pueden convertirse en productos de amplia distribución.

Ron Arad quiere jugar con sus obras históricas, descontextualizándolas y reinventándolas con nuevos materiales.

A quién le pregunte si se siente más escultor o diseñador, Ron Arad contesta: "En realidad no es importante me divierto en descubrir los procedimientos, lo que se puede hacer con el material, qué tipo de forma conseguir. La función en este caso es puramente una coartada. ¡No me interesa batirme por un aspecto u otro de la cuestión: decir "¡esto no es escultura! No, esto es diseño" no es para nada importante. Lo que cuenta es: es interesante, es aburrido, es entusiasmante, mirándolo, tocándolo, ¿les trasmite un sentido de placer o no? ¡No es necesario de que se trata!"

REFLEXION:

Desde mi punto de vista, este diseñador se me hizo muy interesante ya que no le es importante si lo llaman: diseñador, escultor, o como sea, lo que realmente le  importa es que lo que hace, llame la atención y guste a la gente, eso se me hace un gran ejemplo a seguir ya que después de lo aprendido en clase de la controversia entre los artesanos y los diseñadores, el es el claro ejemplo de que no es importante el como lo llamen, si no que lo llamen por su gran trabajo.

Aparte se me hicieron muy interesantes sus obras, porque vi sillas diferentes y muy atractivas a la vista, comparándolas también con las sillas vistas en clase.

nunca antes había oído de este diseñador, pero al conocerlo me doy cuenta que es verdaderamente famoso y que ha trabajado con empresas como “arts and crafts” etc…

BIBLIOGRAFIA:

http://elisavaprofessionals.com.mialias.net/blog/?p=271

http://www.floornature.es/progetto.php?id=4132&sez=30

TONET SUNYER (Ingrid Perez)

En la obra de Sunyer destaca la gran diversidad de proyectos que 

ha realizado. "Es mejor la diversidad de temas en nuestra profesión 

antes que encasillarse en uno solo. La sociedad en general tiene 

tendencia a encasillar a los profesionales, algo que creo que no es 

bueno. La aportación sobre temas que uno conoce menos es 

siempre refrescante en comparación a las soluciones que aportan 

los entendidos", afirma. 

Arquitectura y cine 

Una de las facetas quizá no tan conocidas de Tonet Sunyer es su 

pasión por el cine. De hecho su propia casa en Cataluña ha sido 

utilizada para rodar alguna escena de varios largometrajes. "La 

arquitectura y el cine siempre han tenido una relación cercana. 

Hay bibliografía en este sentido. En la época de los grandes 

estudios de cine creaban escenarios a medida, mientras que hoy en 

día se aprovechan espacios arquitectónicos para desarrollar 

escenas concretas". 

Sobre el interés de los directores de cine por la arquitectura 

Sunyer tiene claro quién ha apostado más fuerte en esta faceta. 

"Woody Allen es un director que siempre se ha interesado por la 

arquitectura. En interiores recuerdo 'Manhattan' y en una de sus 

últimas películas rodadas en Londres, 'Match Point', sale un 

edificio de Norman Foster como escenario de la oficina del 

protagonista. Seguro que con él se podría hacer una buena 

colaboración" 

· Fue profesor invitado en la Escuela de Arquitectura de la 

Universidad de Navarra en el curso 1999-2000 y en 2002. 

· Además ha sido profesor en otros centros como la Escuela de 

Arquitectura de Barcelona, la Escuela de Diseño Elisava y en la 

ETSA de Valencia. 

· Entre sus obras hay una gran diversidad de trabajos: hospitales, 

proyectos deportivos, oficinas, viviendas colectivas o mobiliario 

 urbano. 

PUIGNOU HOUSE

La casa está situada en la parte más alta del solar, en la ladera 

norte de la sierra de Collserola, en Barcelona. A raíz de un desnivel 

de la parcela, la casa adquiere un desarrollo vertical pronunciado. 

En planta baja se sitúa un estar pasante de sur a norte que 

permite la entrada del sol y a su vez disfrutar de las vistas. En esta 

planta se sitúan además las dependencias del comedor y la cocina, 

también pasantes. Por debajo de esta planta hay dos niveles más, 

destinados a los hijos con sus zonas para dormir y estar. Vía 

CoolBoom.

Uros Vitas (Ana Luisa González)

Fue gracias a Jelena Matic, maestra de procesos de madera y diseño de mobiliario que tuvo una oportunidad única de relacionarse de forma cercana con el diseño, sus diseños siempre se han visto influenciados por la sustentabilidad, innovación y acción social.

Cuando participó en las actividades extracurriculares en el Centro para Diseño de Interiorismo Mobiliario (Center for Interior and Furniture Design) participó en muchos proyectos relacionados con el diseño sustentable y cooperar con  muchos clientes.

Ha exhibido sus trabajos en muchos eventos internacionales, incluyendo Talent Zone Copenhagen International Furniture Fair 2007 , Salone Satellite Milan Furniture Fair 2008, World of Folk Stavanger 2008 , Museum Night Belgrade 2008 , Belgrade Design Week 2007-2008, Mikser Balkan Creative Industry Festival 2010, Belgrade International Furniture Fair 2010

MIESROLO: Asientos de madera conectados por bandas sintéticas realizados durante sus estudios con Jelena Matic que le ameritaron el primer lugar en Wood Agency Design Contest Belgrade 2008. Cabe destacar que esta silla no presenta ninguna maravilla en lo que respecta a estética y comodidad pero su funcionalidad la transforma en un elemento ideal para el hogar.

La ventaja de este diseño reside en su compactibilidad, puesto que mientras están en desuso no se necesita más que plegarlas. 

Comedor Anaranjado: La característica principal de ésta pieza reside en el hecho de que las sillas encajan en la mesa, convirtiéndola en una sola pieza al reunir todas las sillas.

MODul: Módulo multifuncional para sentarse, recostarse y colgar cosas hecho de caucho reciclado.

Ésta banca puede ser utilizada tanto dentro como fuera del hogar, es multifuncional,  puesto que puede convertirse también en mesa y ampliarse según se requiera. 

The Indepentent Group (Francisco Xavier Vazquez Calva)

The Indepentent Group fue una colección muy importante de escritores, pensadores y creadores que se reunió en el ICA 1952-5.

Más a menudo valorados como los padres del pop, la contribución más amplia de The Indepentent Group de pensamiento crítico y la práctica creativa de la cultura visual ha sido subestimada. Principales artistas como Richard Hamilton, Eduardo Paolozzi y William Turnbull, arquitectos Alison y Peter Smithson, James Stirling y St John Colin Wilson y los críticos Lawrence Alloway y Reyner Banham, contribuyeron a los interdisciplinarios acontecimientos del grupo. 

Los miembros de The Independent Group

El Grupo Independiente miró, discutio, analizo, escribió sobre diseño, construyo y monto una galaxia de trabajo muy importante la exploración de la cultura contemporánea encontrada. Usando una variedad de fuentes, incluyendo las páginas de las revistas de ciencia ficción, las pinturas de Jackson Pollock, película de Hollywood, el diseño de helicópteros, las calles del East End de Londres y de la arquitectura modernista de The Independent Group  crearon un enfoque radical a la búsqueda y al trabajo con la cultura visual. El enfoque fue incluyente y respetuoso, la elaboración de inspiraciones tan diversas como la teoría de la comunicación, la antropología y la filosofía no-aristotélica. El enfoque también abarcó todo el paisaje cultural de la Gran Bretaña de la posguerra y el habitar los espacios entre una multitud de conceptos, prácticas y disciplinas.

Primer período de sesiones (1952)

The Independent Group tuvo su primera sesión en 1952 que consistía en el artista y escultor  Eduardo Paolozzi mostrando imágenes coloridas de revistas americanas por un epidiascopio. Estas imágenes, compuestas de anuncios, tras cómicas y una variedad de graficos, fueron reunidascuando Paolozzi vivía en  Paris de 1947-49. Gran parte del material fue montado como collages de bloc de notas y formó la base de su cama! Y series de serigrafías (1972) y los archivos de Krazy Kat ahora se muestran en el V & A Museum de Londres. De hecho, el influyente collage de  Paolozzi de 1947 que era juguete de un hombre rico fue el primer "objeto encontrado" que contiene la palabra "pop" y es considerado el portador inicial estándar de "Pop Art". El resto del primer período de sesiones del Grupo Independiente se concentró en la filosofía y la tecnología durante septiembre 1952-junio 1953, y fue presidido por el crítico e historiador del diseño, Reyner Banham. Miembros clave en esta etapa incluyen Paolozzi, el artista Richard Hamilton, surrealista revista de arte y director Toni del Renzio, escultor William Turnbull, el fotógrafo Nigel Henderson y artista plástico John McHale, junto con el crítico de arte Lawrence Alloway.

Segundo período de sesiones (1954)

El Grupo no se reunió a finales de 1953 o principios de 1954, ya que se estaban concentrando en la entrega de un programa público de conferencias en el ICA, los problemas estéticos de Arte Contemporáneo. Los nuevos miembros se unieron al Grupo Independiente por su segunda sesión plenaria, incluido los arquitectos Alison y Peter Smithson. Los Smithson con Paolozzi, Henderson, Ronald Jenkins, Toni del Renzio, Banham y otros organizaron la exposición muy significativa, en paralelo de la vida y el arte en el ICA en el otoño de 1953. Reyner Banham dimitió como presidente del Grupo Independiente, ya que estaba ocupado con su tesis de doctorado en el Courtauld Institute of Art, y en finales de 1954 Dorothy Morland le preguntó a el crítico de arte Lawrence Alloway y artista plástico John McHale volver a convocar el Grupo Independiente por su segundo período de sesiones. El pintor Magda Cordell y su esposo, el productor musical Frank Cordell se unió al grupo independiente en este momento.

La segunda sesión se centró en la cultura de masas norteamericana, tales como películas del oeste, ciencia ficción, vallas publicitarias, diseño de los coches y la música popular. En el curso de esos debates, que se basó en conceptos futuristas, surrealistas, la Bauhaus, y Dada. John McHale y Lawrence Alloway comisariado una exposición de collages y objetos en el ICA en 1954, donde expuso sus McHale formativa collages pop art. Richard Hamilton organizó una exposición, hombre, máquina y el movimiento a finales de 1955 en la Galería de Hatton, Newcastle y de la ACI, que se centró en algunas de las preocupaciones del Grupo Independiente.

Esta mañana es (1956) En 1956 el grupo llegó a una mayor atención del público con su participación en la exposición This is Tomorrow. El IG dejado de cumplir formalmente en 1955, pero los miembros del IG continuaron reuniéndose informalmente hasta 1962-1963, y las conexiones entre los distintos miembros continuaron sus frutos en los años posteriores de su práctica creativa.

Marc Newson (Amaya Fernandez)

Nació en Sidney, Australia. Estudio joyería y escultura para derivar posteriormente al diseño de muebles. En 1988 lanzó su estilo a través de la silla Embryo que rompió la barrera de lo imaginable para el estilo expresionista pop.

diseñador mas aclamado e influyente de su generación.

Él ha trabajado a través de una amplia gama de disciplinas, creando todo tipo de objetos, muebles y del hogar, bicicletas y los coches, los aviones privados y comerciales, los yates, las varias comisiones arquitectónicas, y los pedazos esculturales de la firma para los clientes a través del globo.

Él comenzó a experimentar con diseño de los muebles después de su graduación, una concesión del consejo de las artes del australiano con quien él efectuó su primera exposición - ofreciéndole el salón de Lockheed - un pedazo que ahora tiene, veinte años más tarde, fijó tres récores mundiales consecutivos en la subasta.

Su trabajo está presente en muchas colecciones importantes del museo, incluyendo el MoMA en Nueva York, el museo del diseño de Londres y V& A, el Centre Georges Pompidou y el Vitra diseñan el museo.

La determinación de expedientes numerosos en la subasta, trabajo de Newson ahora explica el casi 25% del mercado contemporáneo total del diseño.

Design Awards

2010

The Chicago Athenaeum Good Design Award, USA,

Smeg Ovens & Hobs

The Lifetime Achievement Award

The Design Awards, UK

Doctor of Visual Arts (honoris causa),

University of Sydney, Australia

2009

The Chicago Athenaeum Good Design Award, USA,

Qantas A380 First Suite

Australian Design Award,

Australia Standards, Overall Winner,

Qantas A380

Australian Design Award,

Australia Standards, Qantas,

A380 Economy Seat

Conde Nast Traveller Innovation & Design Award,

Aviation,

Qantas A380

Wallpaper Design Award,

Smeg Ovens & Hobs

Maarten Van Severen (Sara Siraze)

(1956-2005)

                          

Biografía

Nació en 1956 en Bélgica. Estudio arquitectura en la Escuela de Arte de Gante. Hace sus primeros diseños de muebles en 1986. Un año después abre su taller donde diseña muebles y los fabrica en series limitadas.

Durante mucho tiempo, la combinación de diseño y producción es una de las bases esenciales de su obra, que está protagonizada por unos pocos tipos de muebles elementales, como la silla, la mesa, la tumbona, la estantería y el armario. Para estos muebles, Maarten Van Severen crea una y otra vez soluciones elementales que siempre se basan en una amplia investigación formal sobre cuestiones de configuración, material y estructura.

Desde 1990, Maarten Van Severen colabora estrechamente con Rem Koolhaas y se dedica a tareas relacionadas con la arquitectura de interiores. Además, ocupa diversos cargos docentes: en 1996 en la Universidad de Kortrijk, en 1996 y 1997 en la Academia de Bellas Artes de Maastricht, en 1998 en la Universidad Técnica de Delft y en 2000 en las Universidades de Helsinki y Barcelona.

La colaboración con Vitra, que comienza en 1996, marca un cambio en su carrera. Le permite utilizar nuevos materiales y le proporciona una repercusión hasta entonces desconocida. Hasta su muerte en 2005 en Gante, Maarten Van Severen trabaja en una serie de nuevos diseños para Vitra que, desde ese momento, han ido pasando a la producción en serie de forma progresiva.

El diseño "necesario" tal como lo ha denominado Peter Dunas, investigador y teórico de la historia del diseño, quien ha colaborado con Vitra y con el Victoria & Albert Museum de Londres, es algo así como un ejercicio de reducción. En tiempo de crisis económica, la reducción ha sido obligada por la falta de materiales. También se puede reconocer en la línea del tiempo que configuran los estilos, una reducción más 'política', cruzada con la crítica social. Sin embargo, es la relación con las bellas artes lo que según Dunas más ha influenciado al diseño contemporáneo. Fueron el constructivismo, el arte concreto, el minimalismo o el arte povera, las expresiones artísticas que más dejaron ver su influencia, haciendo que la opción por formas reducidas, simplemente se leyera como lo más vanguardista, por mucho tiempo. Maarten Van Severen es un ejemplo de esta escuela. Puede gustar o no, pero lo suyo es eso. "Un diseño reducido genera formas puras. Es decir, no falsificadas: alude a los aspectos estructurales y frecuentemente acentúa una estética de los materiales", en palabras de Dunas.

Diseño y producción.

Su combinación es una de las bases de su obra, protagonizada por muebles esenciales: sillas, mesas y estanterías. Para ellos, Van Severen crea soluciones elementales basadas en una investigación sobre cuestiones de configuración, material y estructura. De hecho, una de las cualidades de Van Severen es la atención al uso de los materiales, una búsqueda por darles protagonismo, cualidad que en sí misma comunica. Esta chaise longue de poliuretano y acero básicamente, en simple, asegura durabilidad y comodidad, ya que su material preponderante es elástico y adaptable. Se puede sentir cómo esa rigidez superficial se transforma y las formas se adaptan al cuerpo. La construcción de la base permite cambiar perfectamente de la postura sentada a la recostada.

Una frase muy interesante de Maarten Van Severen “People say that my work is minimalistic. But I don’t believe in the word minimalism. My creations are more about maximalism.” La cual se me hace bastante interesante ya que por un lado tiene razón, y al mismo tiempo refleja el que sus diseños valen mucho y no necesariamente hablando de dinero sino hablando en el sentido de valor sentimental y a la ves hablando de una valor gradual.

Exposiciones:

•   2001: Salón del Mueble, París

•   2000: Intérieur 00, Kortrijk

•   1999: “Maarten Van Severen – collection”, Nueva York

•   1998: Intérieur 98, Kortrijk

•   1998: Feria Internacional del Mueble de 1998, Colonia

•   1996: Trienal de 1996, Milán

•   1994: se eligen sus productos “Stool Nr. 2” y “Tafel” para pasar a formar parte de la colección del Museo del Diseño de Vitra en Weil am Rhein

•   1994: Intérieur 94, Kortrijk

•   1990: “New Furniture”, Museo de Artes Aplicadas, Gante

1988: “Salon Refuse”, Galería Surplus, Gante

Bibliografía

http://www.vitra.com/es-lp/public-spaces/designers/maarten-van-severen/

http://masdecoracion.latercera.com/2011/01/22/01/contenido/5_1406_9.shtml

http://decoracion.blogy.es/silla-lcp-disenada-por-maarten-van-severen-para-kartel/

http://gugadc.com/portal/index.php?option=com_virtuemart&page=shop.browse&category_id=19&Itemid=1

http://www.gentblogt.be/2007/04/15/maarten-van-severen

Philippe Patrick Starck (Daniela Torres)

Nació en Paris, el 18 de enero de 1949 pasó su niñez en las mesas de dibujar de su padre, como pasaban las horas serrando, cortando, pegando, desmontando bicis, motos y otras cosas. Horas (o más bien una vida) dedicadas a la creación y al desmontaje de todo lo que le afecta, a dar nueva forma al mundo que le rodeaba. sintió verdadera pasión por el diseño, quizás por influencia de su padre, que era constructor de aviones. Por esta razón, a mediados de los 60, se matriculó en la escuela Nissim de Camondo de la capital gala y, con 30 años, funda su primera empresa seria de diseño: la Starck Produt.

Sus primeros trabajos importantes datan de los años 70, cuando decoró algunas de las discotecas y clubes nocturnos más famosos de la noche parisina, como Les Bains Douches (1978) o La Main Bleue (1979). Sin embargo, su reconocimiento definitivo le llegó en 1984 cuando el presidente de la República francesa, François Miterrand, le encarga renovar la decoración de sus dependencias privadas del Palacio del Elíseo.

Inquieto por naturaleza y ávido por conocer cosas diferentes Philippe ha trabajado y viajado por medio mundo, hecho que le ha influido a la hora de plantear sus diseños, porque en todos ellos queda patente su especial gusto por la diversidad cultural. Ha trabajado en Tokio como decorador de restaurantes, oficinas y residencias particulares; en Madrid, fue el responsable de la decoración del restaurante-cafetería-discoteca Teatriz (1990), también participó activamente en la construcción del Groningen Musseum en los Países Bajos. Sin embargo, han sido sus trabajos para la cadena de hoteles de Ian Schrager los que le han catapultado a la fama: el hotel Delano de Miami, el Paramount, Royalton y Hudson de Nueva York; los hoteles St. Martin´s Lane y Sanderson, de Londres; el hotel Clift de San Francisco o el hotel Mondrian de Los Ángeles (Hollywood), son la mejor carta de presentación de este genial diseñador francés. Junto al revolucionario Ian Schrager ha creado el llamado lobby socializing, una asombrosa e innovadora forma de plantear el diseño del vestíbulo de un hotel, que es entendido como un lugar importante de reunión para visitantes y huéspedes. Mobiliario de original diseño, aprovechamiento de la iluminación, colores sorprendentes y estudiada distribución espacial se aúnan para crear una sensación de auténtico escenario.

Pero los trabajos de diseño de Philippe Starck no sólo se agotan en el diseño y decoración de interiores. Este genial creador francés ha trabajado también como diseñador industrial, ideando la más variada gama de objetos en serie: desde barcos para la firma Beneteau, pasando por botellas de agua mineral para la marca Glacier, artículos de viaje para Vuitton, accesorios de menaje para Alessi, mobiliario de oficina para Vitra o mobiliario urbano para la empresa Decaux; también ha diseñado vehículos, ordenadores o gafas. En definitiva, un currículo impresionante, que ha sido reconocido internacionalmente con innumerables premios. Es más, sus obras se pueden admirar en el Brooklyn Museum de Nueva York, en el Museo de Artes Decorativas de París y en el Museo de Diseño de Londres. Exposiciones individuales y colectivas en París, Marsella, Roma Munich, Kyoto, Tokio, Los Ángeles y Nueva York le consagran como uno de los mejores diseñadores del momento.

Starck se dedica a sus diseños, estos son algunos de ellos: